Beinahe ehrfürchtig betrachtet Jonathan Jones (Guardian) Ana Mendietas "Kunst aus Blut, Federn, Blumen und Sand", die in der Tate Modern zu sehen ist. Den tragischen Tod der kubanisch-US-amerikanischen Künstlerin, die 1985 aus ungeklärten Umständen aus dem Fenster ihrer Wohnung stürzte, thematisiert die Schau nicht, so Jones, sie verlässt sich ganz auf die Kraft von Mendietas Kunst: "1980 kehrte sie zum ersten Mal nach Kuba zurück. 1981, nur zwei Jahre nach der Freilassung ihres Vaters aus einem politischen Gefängnis, schuf sie in stillen Winkeln eines Naturschutzgebietes beeindruckende Kalksteinskulpturen. Ihre Schwarz-Weiß-Fotografien lassen diese Felsskulpturen (engl. "Rupestrians", Anm.d.Perlentauchers) wie Spuren einer untergegangenen Zivilisation wirken (...). Kurvenreiche Fruchtbarkeitsgöttinnen, die an die Venus von Willendorf erinnern, und andere abstrahierte weibliche Formen, fledermausartig oder gar außerirdisch, mit Vaginen wie heiligen Portalen, erheben sich aus Felsformationen - erodierte, aber dennoch beständige Meisterwerke menschlicher Kultur. Mendieta schuf sie in der Hoffnung, dass Wanderer auf ihre Werke stoßen und darüber nachdenken würden."

Weitere Artikel: Der französisch-deutsch-kanadische Künstler und Merkel-Porträtist Jérémie Queyras unterhält sich im Tagesspiegel-Interview mit Nicola Kuhn. Die Berliner Galerie feinart schließt ihre Pforten, berichtet  Angelika Leitzke im Tagesspiegel, noch ist die letzte Ausstellung zu sehen. Besprochen werden die Ausstellung "Enki Bilal - Le Fond de la forme" im im Fonds Enki Bilal in Paris (FAZ) und die Ausstellung "Giovanni Segantini, 1858-1899. Je veux voir mes montagnes" im Musée Marmottan Monet in Paris (NZZ).

Wie groß der Einfluss der Italiener war, die im Spätmittelalter auf die iberische Halbinsel kamen - und dass das Licht nicht erst mit der Renaissance in die Kunst kam, lernt FAZ-Kritiker Hans-Christian Rössler in der Ausstellung "A la manera de Italia. España y el gótico mediterráneo (1320 -1420)" im Madrider Prado. Die Künstler "kombinierten auf ihren großformatigen Altarbildern Temperafarbe mit Blattgold. Das Edelmetall war keine Dekoration, sondern setzte eigene dramatische Akzente, half dabei, göttliches Licht nachzuahmen. Je nachdem, ob vor dem Altarbild Kerzen flackerten oder es Sonnenstrahlen beleuchteten, wirkten die Bilder anders im Halbdunkel der Kirchen, die die Ausstellungsarchitektur zu rekonstruieren versucht. Die Heilige Lucia auf dem Altarbild 'Der Heilige Julian und die Heilige Lucia' von Pere und Jaume Serra trägt ein Gewand aus ziseliertem Gold. Vorbilder sind italienische Stoffe. Die Maler ahmten die Florentiner Stickereien mit Gold- und Silberfäden so perfekt nach, dass sie fast von den Heiligen ablenken, die sie umhüllen."

Weiteres: Stefan Trinks gratuliert der Videokünstlerin Joan Jonas in der FAZ zum neunzigsten Geburtstag. Ingo Arend ist für die taz auf der Documenta-Konferenz "Critical Fabulations of Documenta" im Kasseler Documenta-Institut unterwegs. Besprochen wird die Arte-Doku "Der Oligarch und der Kunsthändler" (Standard).

Die Blütezeit der Ölstudie in Italien nahm einen Umweg über die Schweiz, wo Maler fast hundert Jahre vor den Impressionisten schon plein-air malten. Farbtuben gab es damals noch nicht, aber sie transportierten ihre Farben bequem in Schweinsblasen, lernt Stefan Trinks (FAZ) in der Ausstellung "Zur Sonne! Zur Freiheit! Wege der Freilichtmalerei um 1800" im Kunst Museum Winterthur. Höhepunkt sind die sieben Ölstudien Camille Corots, aber auch weniger berühmte Künstler beeindrucken ihn. Zum Beispiel Carl Blechen: Dessen Sepiazeichnungen aus Amalfi von 1829 bedeuten "nicht weniger als eine nochmalige Steigerung des schon in den Studien unaufhörlichen Licht-Spiels. Der Berliner Maler 'baut' geradezu mit Licht, wie das entsprechende Ausstellungskapitel überschrieben ist. Vergleichbar mit den Solarisationen Christian Schads aus den Zwanzigerjahren oder modernen Photoshop-Spielereien sind Hell und Dunkel invertiert, erscheinen verschattete Häuserwände plötzlich überblendet, helle Partien dagegen surreal verdunkelt. Schatten und Sonne streiten manichäisch miteinander um den Raum auf den kleinformatigen Papieren. Dass es sich um wahre, in und vor der Natur entstandene Skizzen handelt, wird angesichts solcher Wunderwerke der Lichtmalerei niemand bezweifeln. Nichts ist dem modernen Blick näher als diese vor fast zweihundert Jahren entstandene Kunst."

Lisa Berins besucht für die FR den neuen Skulpturenpark, der gerade rings um die Frankfurter Schirn entsteht. Besprochen werden eine Ausstellung des Filmkünstlers Eric Baudelaire, der im CCA Berlin auch einige Skulpturen zeigt (taz), Carlos Casas' Filminstallation über den gewaltigen Vulkanausbruch auf der indonesischen Insel Krakatau 1883 im Münchner Haus der Kunst (taz) und eine Ausstellung des Kollektivs "Kunzten" in der Berliner Kunstfabrik am Flutgraben (taz).

"Während der Arbeiter in der westlichen Kunstgeschichte ein vertrauter Anblick ist, muss man schon etwas genauer hinschauen, um Rollenbilder der Frau an Apparaten zu sehen", stellt FAZ-Kritikerin Ursula Scheer in der Ausstellung "Labouring Bodies" im Museum Tinguely in Basel fest, die die Beziehung zwischen weiblichem Körper und Maschine erkundet. Eine überschaubare, "pointierte" Auswahl haben die Kuratoren getroffen, durch die Kunstgeschichte führt "die Schau in die Fabrik, an den Webstuhl, in das Büro oder die Gynäkologie." Bemerkenswert ist aber auch die Eröffnungs-Performance "Make your body your machine" von Ernestyna Orlowska: "Die Frau im Sportdress trägt schwer an dem würfelförmigen Rucksack eines Essenslieferdienstes, den sie auf die Schultern geschnallt hat: Kaum mit einem Tretroller ins Blickfeld geraten, wirft sie sich rücklings auf das Gepäck, ringt und tanzt mit ihm, als wäre das eine neue Fitnessübung für Ausgebeutete und Selbstoptimierer zugleich. Dann hockt sie sich breitbeinig hin und mampft aus einem mitgebrachten Gefäß Spaghetti in sich hinein. Holde Weiblichkeit? Hat sich gegessen."

Besprochen wird die Marisol-Retrospektive im Kunsthaus Zürich (taz) und die Ausstellung "Calder. Rêver en équilibre" in der Fondation Louis Vuitton in Paris (NZZ)

Dass sich der Pointillist Paul Signac der anarchistischen Bewegung zugehörig fühlte, kann FAZ-Kritiker Andreas Kilb zumindest an seinen Sujets nicht erkennen, wenn er durch die Ausstellung "Symphonie der Farben. Paul Signac und der Neoimpressionismus" im Museum Barberini in Potsdam schlendert. Seine "Lichtmalerei" zeigt "Klippen, Wolken, Hafenmauern und schimmernde Wellen", aber auch eines der wenigen Interieurs ist zu sehen, erklärt Kilb, das Bild "Sonntag" von 1890: "Der Mann im Gehrock, der rechts das Kaminfeuer schürt, und die von ihm abgewandte Frau im weinroten Kleid im Hintergrund sind so dicht in die ornamentalen Oberflächen ihres bürgerlichen Wohnzimmers eingewoben, dass sie selbst wie Mobiliar wirken. Jeden Moment erwartet man, dass die Textur des Bildes reißt wie in einem Clip von Monty Python und ein grüner Dinosaurier oder Winston Churchill auf einem Dreirad zum Vorschein kommt. Das Porträt, das Van Rysselberghe von Signac am Steuer seines Segelboots gemalt hat, ist dagegen fast fotorealistisch, es erinnert an eine Filmszene von René Clair oder Jean Renoir."

In der FR erinnert die Kunsthistorikerin Karoline Hille an die Ausstellung "Women Artists: 1550-1950", die 1976 im Los Angeles County Museum stattfand und sich zum ersten Mal weltweit in aller Ausführlichkeit Künstlerinnen widmete: "Die Malerinnen der frühen Neuzeit, von Renaissance, Barock und Klassizismus, haben im Rückblick betrachtet eines gemeinsam: Sie waren zu Lebzeiten anerkannt und erfolgreich, wurden von den Zeitgenossen bewundert und leisteten mit ihren großartigen Werken einen maßgeblichen Beitrag zur Kunstgeschichte. Aber jede von ihnen geriet nach dem Tod, spätestens jedoch im 19. Jahrhundert in Vergessenheit. Denn niemand sammelte die Bilder und Briefe, Inventare und sonstige wichtige Quellen."

Weitere Artikel: In der NZZ erläutert Rico Bandle die Hintergründe eines Erbschaftstreits um den verstorbenen Kunstsammler Werner Merzbacher, der überraschend seine Vermögensverwalterin als Erbin eingesetzt hatte. Hubertus Butin ist in der FAZ genervt von SchauspielerInnen, die auf den Kunstmarkt drängen und trotz wenig bis keinem Talent hohe Auktionssummen erzielen und Einzelausstellungen erhalten (am schlimmsten findet Butin Adrien Brodys Werke). Besprochen wird die Ausstellung "Helga Paris - Häuser und Gesichter Halle 1983-1985 im Kunstmuseum Moritzburg (FAZ).

Vilhelm Hammershøi war schon zu Lebzeiten aus der Zeit gefallen, weiß Philipp Meier in der NZZ, aber vielleicht kommt die Ausstellung "Hammershøi. Maler des stillen Klangs" im Kunsthaus Zürich gerade deshalb zum rechten Augenblick. Seine Bilder zeigen wenig und zwingen zum Innehalten: "In 'Interieur. Strandgade 30' (1905-1909) stehen Möbel an die Wand gerückt beisammen wie Reisende in einer Wartehalle. In ihrem möbelhaften Schweigen künden sie vom Umzug des Künstlers: ein Schrank, ein Stuhl, ein Büchergestell, ein Sekretär - mit so viel Charakter und Eigenleben, dass sie es wert waren, wie Menschen porträtiert zu werden. Der gemalte Raum vibriert hier als Zusammenspiel rechteckiger Flächen in unterschiedlichen Brauntönen. Denn in diesem stillen Möbel-Stillleben hat Hammershøi selbst die Luft gemalt. Sie flimmert hier wie in den meisten seiner Bilder. Man sieht sie nicht und sieht sie doch. Zustande kommt dieser Effekt durch eine impressionistische Pinselführung lauter kleiner Striche. Hinzu kommt die gedämpfte Farbpalette, die alles in Dunst zu tauchen scheint."
 
Weiteres: Der Teppich von Bayeux wird im British Museum ausgestellt und das Haus kann sich auf einen Besucheransturm einstellen, meldet die FAZ. Anika Meier unterhält sich für Monopol mit dem Maler Friedrich Kunath über die Bar, die er in sein Atelier in Los Angeles gebaut hat.

Besprochen werden: Die Ausstellungen "Draußen … Im Museum" im Brücke-Museum (Tagesspiegel) und "Saâdane Afif. Five Preludes" im Hamburger Bahnhof (Tagesspiegel).

Zum 250. Unabhängigkeitstag der USA führt Sebastian Moll (taz) ein Gespräch mit der amerikanischen Kunsthistorikerin Jennifer Van Horn, die zuletzt das Buch "Portraits of Resistance" veröffentlicht hat. Horn geht es in ihrer Forschung vor allem um die Leerstellen in der amerikanischen Kunst. In Depots lagern etwa "viele Porträts elitärer weißer, angloamerikanischer Kolonisten, gemalt von in Großbritannien geborenen Künstlern. Das passte nicht ins idealisierte Bild amerikanischer Kunst. Mein zweites Buch konzentrierte sich stärker auf Porträts von Menschen afrikanischer Herkunft. Sie werden heute zunehmend ausgestellt. Ein Beispiel ist Jacques Amans' Gemälde der Familie Frey mit ihrem schwarzen Haussklaven Bélizaire von 1837, das sich jetzt im Metropolitan Museum befindet. Bélizaire wurde im Laufe der Zeit übermalt. Ein faszinierendes Werk: Der Akt des buchstäblichen Verdeckens - der bewussten Erzeugung einer Leerstelle - und die spätere Freilegung der Figur durch die Restaurierung sowie die Wiedergewinnung von Bélizaires Lebensgeschichte sind ein eindrucksvolles Beispiel dafür, wie Fragen nach dem, was fehlt oder unsichtbar gemacht wurde, zu einer komplexeren und umfassenderen Geschichtsschreibung führen können."

Auf den Bilder-und-Zeiten-Seiten der FAZ erzählt die Autorin Tanja Raich die Geschichte der Puppe, die Oskar Kokoschka drei Jahre nach der Trennung von Alma Mahler bei der Künstlerin und Puppenmacherin Hermine Moos in Auftrag gab. Wie besessen war er von der Idee eine genaue Puppen-Alma zu besitzen, erinnert Raich: "Er forderte Hermine Moos dazu auf, ins Museum zu gehen und ihren eigenen Körper abzutasten: 'Wenn sie hie und da im Unklaren sind, wie ein Muskel, eine Spannung oder ein Knochen sitzt, so ist es besser nicht in einem Atlas nachzusehen, sondern mit der Hand an ihrem bloßen Körper die Stelle, die sie bewegen müssen, so lange zu untersuchen, bis sie das Gefühl davon warm und lebendig klar in sich haben.' Die Haut sollte 'pfirsichähnlich im Angreifen' sein und 'nirgends Nähte erlauben an Stellen, wo Sie denken, daß es mir weh tut und mich daran erinnert, daß der Fetisch ein elender Fetzenbalg ist.'"

Noch perverser sind die puppenartigen Fetisch-Inszenierungen, die der Franzose Pierre Molinier entworfen hat, und die die Kunsthalle Gießen nun zu seinem 50. Todestag in den Kontext mit Arbeiten von Angelique Aubrit und Ludovica Beillard stellt. Ein "Ereignis", findet Oliver Koerner von Gustorf (Monopol): "Schon am Eingang der Ausstellungshalle wartet neben einem riesig aufgeblasenen Selbstporträt eines maskierten Molinier in Strapsen, das an Madonnas 'Erotica'-Phase denken lässt, eine lebensgroße Puppe. Die sitzt da, zusammengesunken, merkwürdig gesichtslos, auf einem Stuhl. Ein Goth-Junge oder Mädchen vielleicht, in einer Art Kittelkleid mit Anzugsjacke. Dieses kindlich-greise Wesen heißt Clod. Es gehört zu dem hermetischen Kosmos von Angélique Aubrit und Ludovic Beillard, die seit 2021 zusammenarbeiten. ... Zusammen schaffen sie Installationen, Videos und Performances und erzeugen damit immersive Umgebungen, die von grotesken, hölzernen Puppenwesen bevölkert sind."

Weitere Artikel: Hilka Dirks macht sich in der taz heute nochmal Gedanken über den blauen Blazer im Merkel-Porträt. 

Besprochen werden außerdem die Ausstellung "Helga Paris. Häuser und Gesichter. Halle 1983-85" im Kunstmuseum Moritzburg Halle an der Saale (taz).