Die Ausstellung "Fast Fashion - die Schatten seiten der Mode" im Museum Europäischer Kulturen in Berlin gibt Susanne Lenz sehr zu denken: Jede Schulklasse und die gesammelte Fridays-for-Future-Bewegung sollte man hierher bringen, schreibt sie in der Berliner Zeitung, denn gerade die Klimabewegung hat das Thema Kleidung bislang noch gar nicht im Blick: "Dabei ist der CO2-Ausstoß der Modeindustrie höher als der durch internationale Flüge und Kreuzfahrten verursachte zusammen. ... Immer wieder geht es um den Verbleib gebrauchter Kleidung, etwa in der Arbeit des niederländisch-kanadischen Fotokünstlers Paolo Woods. Er thematisiert mit seiner Arbeit 'Pepe' die Rückkehr von Kleidung aus den USA an ihren Produktionsort Haiti. Die T-Shirts mit den dümmsten Sprüchen, die kein Second-Hand-Laden in den USA mehr haben will, werden dann hier verkauft. Sie wirken wie eine Erniedrigung derer, die sie tragen. Ganz abgesehen davon, dass dieser Re-Import haitianischen Schneidern die Existenzgrundlage entzogen hat." Und hinzu kommt noch, dass "die meist in Asien lebenden Textilarbeiterinnen schlecht bezahlt werden und unter schlechten, unsicheren Bedingungen arbeiten."

Mit seinen Entwürfen verhalf Pierre Cardin der "Space Age"-Begeisterung der 60er auch in der Mode zum zeitgenössischen Ausdruck, schreibt Rose-Maria Gropp in der FAZ anlässlich der großen Schau, die der Kunstpalast Düsseldorf dem Modedesigner widmet. Diese Ausstellung ist ein "Panoptikum für einen Optimismus, der mit Kunststoffen, die in allen Bonbonfarben quietschten, noch unschuldig Utopien verbinden konnte", meint die Kritikerin. Cardin stattete die Aufbruchsstimmung Jugend der 60er "mit Kostümen des Nonkonformismus aus, im androgynen Habitus, in Lack und Leder, mit dramatischem Zubehör, schwarzen Brillen und markanten Kappen. Manches ist knallbunt, alles figurbetont, genauer hauteng, die selbstbewusste Betonung des Sex ist kalkuliert. ... In Verbindung mit der aufblühenden Pop Art eines Andy Warhol mit ihrer offensiven Liebe zu den banalen Sachen und mit der aufsässigen Musik war das ein explosives Gemisch."

Die taz hat (bereits am Samstag) ein großes Gespräch mit Wolfgang Joop geführt, auf den Trash-Mode-Verkaufshallen wie Primark "wie ein Massengrab" wirken. "Das Traurige ist: Die jungen Leute haben sich die Freude daran nehmen lassen, sich am Samstag fürs Ausgehen anzuziehen. ... Junge Modedesigner mit der Vision, Menschen innovativ und political correct anzuziehen, lernen in diesen großen Unternehmen eine andere Wirklichkeit. Aber es gibt Gott sei Dank auch den Gegentrend: Aus kleinen Ateliers entstehen Mikro-Luxuslabels, deren coole Entwürfe dem Bedürfnis entstammen, Dinge behalten zu können, weil sie inspirieren und wieder Lust auf Mode erwecken."

In der Zeit porträtiert Ingeborg Harms den Künstler und Designer Sterling Ruby, der seine Arbeitskleidung 2012 bei Dior herausbrachte und dem der New Yorker gerade in seiner Mode-Ausgabe den Ritterschlag versetzte: "Als Inspiration nannte Ruby die konservative Kleidung der Mennoniten und Amish im ländlichen Pennsylvania seiner Kindheit. Das verrät einiges über das Pathos, mit dem er seine Mode aufladen möchte. Dank des Einsatzes von Enzymen, Mineralien, Bleich- und Färbeprozessen verweist seine Kollektion auf einen weiteren Einfluss: die Popkulturen seiner Jugend. 'Es musste zerrissen oder abgetragen aussehen', sagt der Künstler. Die Farbgebung erinnert an individuelle Skateboard-Bemalung, die Batik-Anmutung an Hippiekleider, die Unordnung an Punk-Ideale - lauter Codes des Selbstgemachten, die sich mit der schlichten, ausdrücklich gegen die Moden gerichteten plain dress-Praxis der Mennoniten überschneiden. Dabei ist es Rubys ganz eigene Art der Camouflage, die ihn vom zeitgenössischen Mode-Frohsinn à la Gucci abhebt. Das Irreguläre und 'Handgemachte' beweist, dass hier einer auf Kunstniveau mit planen Flächen umgeht." (Siehe zu Ruby auch unsere Magazinrundschau vom 3.9.19)

Mit seiner Ausstellung zum Design des Dritten Reiches ist dem Designmuseum im niederländischen s'Hertogenbosch zumindest in Sachen internationale Aufmerksamkeit ein Coup gelungen (hier die kritische Besprechung in der New York Times, hier unser erstes Resümee). In der SZ zeigt sich Alexander Menden allerdings ziemlich skeptisch: Die Behauptung der Kuratoren, dies sei "eine Art Komplementärpräsentation zu den diesjährigen Bauhaus-Retrospektiven" findet er "in der Schau selbst nicht eingelöst. Nirgends ist sichtbar, dass das 'gesamte Nachkriegsdesign eine Art Gegenbewegung zu der Ästhetik der Nazis' darstellt, wie der Direktor findet. ... Hochproblematisch ist sie besonders an den Stellen, wo sie sich thematisch mit dem Holocaust berührt. Wer etwa die Ausgehuniform eines SS-Obersturmführers optisch gleichberechtigt in unmittelbarer Nachbarschaft einer Häftlingsuniform aus dem Konzentrationslager Mauthausen positioniert, kann das nicht allein mit drei Absätzen in einem Wandtext unter der Überschrift 'Verführung und Terror' auffangen."

Weiteres: Elisabeth Wagner denkt in einem taz-Essay über die "Frau in Schwarz" nach: Sie "ist der ständige Gast der Mode, ihre Nemesis. Und sie ist eine Provokation, über die man sich lange Zeit am ehesten mit dem Gedanken beruhigen konnte, dass die Frau in Schwarz eine Frau in Trauer ist. Zurückhaltend und zufrieden mit der Rolle der Zuschauerin. ... Welche Gefühle sind zugelassen? Welche Abwehrstrategien sind akut?" Außerdem bespricht Beate Scheder in der taz die im Berliner Museum Europäischer Kulturen gastierende Wanderausstellung "Fast Fashion".

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Ein Beitrag geteilt von Erwin Werder (@werdererwin) am Mär 16, 2019 um 10:36 PDT

Mit über 60 auf den Laufsteg und in die Fotostrecken der Magazine - zumindest Erwin Werder, der eigentlich aus der Architekur kommt, hat das geschafft, nachdem er in einem Club von einer Mode-Agentur angesprochen wurde. Judith Innerhofer hat sich für das ZeitMagazin mit ihm unterhalten. Er glaube "nicht, dass andere Menschen mich wegen meines Alters beurteilen, und ich hatte nie das Gefühl, dass mir mein Alter im Weg steht. Wenn, mache ich mir die Sorgen darüber selbst. Manchmal denke ich, da passe ich nicht hin und manchmal ist es zu keinem Zeitpunkt des Tages ein Thema. Das Alter ist für mich nur von Vorteil. Und ehrlich, wäre ich jetzt 40 Jahre jünger, dann müsste ich - als Model - wesentlich besser aussehen." Bleibt die Frage, wo die weiblichen Models über 60 bleiben.

2009 musste Christian Lacroix in Folge der Wirtschaftskrise sein Haute-Couture-Haus schließen. Vor einigen Tagen jedoch konnte man in einem Betonkeller unter der Bastille-Oper einer kleinen Auferstehung beiwohnen: Zu sehen war dort die Pret-a-Porter-Kollektion für den Sommer 2020 von Dries van Noten, der sich dafür mit Lacroix zusammengetan hatte. Susannah Frankel vom AnOther Magazine war vollkommen hingerissen und bat die beiden zu einem Gespräch, das sie mit einer kleinen Hommage an die Kollektion einleitet: "Alle Lacroix-Merkmale sind da: walzende Polka Dots, breite Streifen, Rüschen, Matadorjacken, Gigot-Ärmel, Seide, in die größere und leuchtendere Blumen gewebt sind als die Natur je vorgesehen hat, Pouf-Röcke, Herzoginnensatin und Ripsbänder - aufgestickt, aufgedruckt oder von Hals- und Taillenlinien, Kragen und Manschetten flatternd. ... Das Vokabular von Dries Van Noten ist durchweg mit dem von Christian Lacroix verschmolzen: Die Jacquards wurden gescannt und erscheinen als Drucke auf Baumwolle und Organza; leichte Polyester aus recycelten Kunststoffflaschen und beschichteten Papieren knistern neben edlen französischen Seiden; sich wellende Schleppen schmücken nichts Feineres als einen Parka, wenn auch in Gold. Weiße Unterhemden sind mit einem einzelnen aufgeplusterten bestickten Ärmel dekoriert, Jeans auf einem Bein mit Federn oder Federprint verziert." Die ganze Kollektion findet man bei der Vogue.

Im Gespräch dann bekennt der aus der Provence stammende Lacroix, dass die Zusammenarbeit mit dem Belgier van Noten erst mal ein Kulturschock für ihn war: "Für mich war der schwierigste Moment das erste Treffen mit dem Team, einem Team, das an seine Zusammenarbeit gewöhnt war, und ich war wie ein Außerirdischer, mit meinem schlechten Geschmack, meinem südkatholischen schlechten Geschmack, der in dieses sehr elegante, nordeuropäische Unternehmen kam. Ich hatte Angst davor, weil ich sie nicht kannte. Was denken sie darüber? Am Anfang wagte ich es nicht, ich selbst zu sein, ich war sehr, sehr schüchtern, ich sagte kein einziges Wort. Schritt für Schritt wurde ich Teil des Teams. Ich hatte nicht erwartet, dass ihre Art zu sein oder zu arbeiten mir so vertraut sein würde. Auch ihre Entscheidungen wie die Wahl der französischen Seiden, die meine eigene Wahl gewesen wären, haben mich beruhigt, und die Idee, die Ripsbänder auf Basics zu drucken - von Sweat- und T-Shirts bis hin zu Jeans - war genial, etwas, auf das ich nie selbst gekommen wäre. Ich liebe es, dass diese Kollektion mich nicht nur im Detail erfasst, sondern auch den Geist dessen, was ich getan habe." Auch in der britischen Vogue gab's ein Interview mit den beiden, dass von einem sehr schönen Foto der zwei gekrönt wird, ebenso in der New York Times. "Sometimes, seeing the familiar from someone else's perspective makes all the difference. Sometimes, engaging in negotiation with a different point of view gives you the best possible result. It's a truism that applies to a lot more than fashion", schreibt dazu Vanessa Friedman in der NYT.

Kurios, dass eine Ausstellung über Design im Nationalsozialismus als erstes in den Niederlanden stattfindet, meint Bernhard Schulz im Tagesspiegel und wünscht sich dringend, dass die Ausstellung auch hierzulande Station macht. Zu sehen gibt es hier ein Regime, das alles, was gestaltbar ist, in den Dienst des völkischen Projekts und der nationalen Mobilmachung stellt, und dabei durchaus differenziert: Völkischer Tand für die Landbevölkerung, urbane Eleganz mit Hakenkreuz für die Stadt: "Es ist dieser Doppelcharakter von Volkstums-Ideologie und technisch-effizienter Moderne, der die Gestaltung unter dem NS-Regime kennzeichnet. Für jede Zielgruppe der 'Volksgemeinschaft' wurde die passende gestalterische Ansprache gefunden. ... Doch alle Schichten trafen sich in der Sucht nach Gepränge, nach Uniformen, Abzeichen, Aufmärschen, nach Sich-groß-Fühlen."

In der NZZ würdigt Marion Lohndorf Twiggy, die heute vor 70 Jahren geboren wurde: Sie "wurde ein Geschöpf der Kamera. Makellos und unnahbar sah sie auf Lategans Fotos aus, mit Babymund und Kulleraugen, aber auch ein bisschen trotzig und motzig. Ein widerborstiges Kind mit stählernem Kern. ... Sie nahm die kollektiven Träume von morgen vorweg."

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Mit Luigi Colani ist ein Freund der Rundungen gestorben: Ecken und Kanten trieb der populäre Produktdesigner seinen Entwürfen gründlich aus - ganz egal, ob es sich dabei um Luxusautos, Kugelschreiber, Computermäuse oder Klos handelte. Nicht zuletzt ging hier auch ein grantiger Zeitgenosse von uns, schreibt Gerhard Matzig in der SZ, der bereitwillig einräumt, von Colani auch schon mal als "Depp" bezeichnet worden zu sein. "Sein Rat an die Welt, die bleibt: Hütet euch davor, die Welt in 'Margarine-Würfelform zu prügeln', das Universum ist rund. 'Es fliegt nicht ein einziger Koffer da oben herum, der eckig ist.'" Als Exzentriker würdigt Sabine von Fischer den Verstorbenen in der NZZ: Er mied Wiederholungen "und lag damit in Europa stets neben dem Zeitgeist." Haptik ging Colani über in Stein gemeißelte Designregeln, schreibt Niklas Maak in der FAZ: "Was den Designer prägte war sicherlich auch die Entwicklung des Werkstoffs Plastik: Der Kunststoff erlaubte es, die geschwungenen Formen der Natur nachzuahmen." Etwas emphatischer drückt es Frederic Schwilden in der Welt aus: "Bei Luigi Colani ist alles rund. Wie bei Tai-Chi, gutem Sex oder den richtigen Drogen gibt es bei Colani keinen Anfang und kein Ende, nur ein absolut amoralisches Ineinanderübergehen von Bewegungen und Bewusstsein. Colanis Designs sind Mindfucks. Die mürrischen Besser-Wisser-Designer und Architekten, die eine Welt in grau und weiß und in aufeinandertreffende gerade Linien unterteilen, sind der Feind von Colanis Ideen."

Für die FAZ hat Marc Zitzmann eine Ausstellung im Comicmuseum Angoulême über das Verhältnis von Mode und Comics besucht - schließlich haben nicht nur viele Comiczeichner Modeentwürfe gezeichnet, sondern Comics haben sich von der Mode auch immer wieder inspirieren lassen. Was umgekehrt genauso gilt, etwa "für Castelbajacs Snoopy-Röcke wie für Thierry Muglers nachtschwarzes Catwoman-Ensemble, bestehend aus einem Cape aus Strickstoff über einem Catsuit aus gepolstertem Vinyl mitsamt Lack-Gürteltasche und Kapuzen-Maske. Moschinos 'Olive Oyl'-Halstücher stechen hier insofern heraus, als sie die Bohnenstange an Popeyes Seite nicht nur in ihrem originalen Outfit abbilden, sondern auch in zehn ikonischen Modellen von Chanel, Courrèges, Lacroix und anderen." Online gibt es Begleitmaterial.