Auf eine kleine, aber bewegende Ausstellung in der Alfred-Ehrhardt-Stiftung in Berlin weist Ingeborg Ruthe in der FR hin. Die australische Künstlerin Janet Laurence hat sich Fotografien von "Wind und Meer geformten Sandstrukturen" und "bizarr schönen Korallengebilden" vorgenommen, sie vergrößert und auf Seidentücher gedruckt. Sie stammen vom deutschen Fotograf Alfred Ehrhardt, der sie in den Dreißiger und Vierziger Jahren an der Ostsee machte. Damals ging es dem Meer noch ein bisschen besser: "Die Australierin vergrößert die Strukturen der Meereslebewesen, Grauwerte und Kontraste lassen abstrakte Bildwelten entstehen. Zudem betonen feine weiße Stickereien (von Jessica Martin) und deren lose Fäden die Verluste der Korallenstrukturen. Laurence zeigt die Korallen als aschefarbene, abgestorbene, zerfallende Überreste einstigen geheimnisvollen, schönen Unterwasserlebens. Steigende Wassertemperaturen lassen Korallen ausbleichen und sterben, Plastikmüll und Schadstoffe vergiften ihre Lebensräume. Die Künstlerin betont damit den 'brennenden' Zustand der ökologischen Systeme."

Weiteres: In der taz stellt Jonathan Guggenberger den jüdischen Künstler und Influencer Navot Miller vor, dessen Bilder in der Ausstellung "Paradise" in der Galerie Dittrich & Schlechtriem in Berlin zu sehen ist. Besprochen wird die Ausstellung "Netzwerk Paris - Abstraction-Création 1931-1937" im Arp-Museum Rolandseck (FAZ).

Hilka Dirks berichtet in der taz von der Ostfriesland Biennale. Nicola Kuhn porträtiert Kathleen Reinhardt, die Direktorin des Georg Kolbe-Museums, im Tagesspiegel.

Besprochen wird: Die Ausstellung "The Lure of the Image - Wie Bilder im Netz verlocken" im Fotomuseum Winterthur (NZZ).

Peter Truschner betrachtet für sein Perlentaucher-Fotolot die Annegret-Soltau-Ausstellung im Städel - endlich wird sie groß gewürdigt! Ihre Selbstreflexion ist klassisch feministisch: "Soltau nimmt ihren nackten, weiblichen Körper ins Visier, diesen Ort des patriarchalischen Kulturkampfes, den eine Generation von feministisch motivierten Künstlerinnen als fremdbestimmt und politisch instrumentalisiert erkennt, und sich vornimmt, mit den Mitteln der Kunst Selbstbestimmung über ihn und ihre Rolle als Frau in der Gesellschaft zu erlangen." So zeigt sie ihren nackten Körper etwa als den Körper einer Schwangeren und einer Mutter: "Die seriellen Schwarzweiß-Arbeiten, die zu dieser Thematik entstehen, gehören ästhetisch zu den besten Arbeiten zu diesem Thema überhaupt (soll heißen: nicht nur in Deutschland, und nicht nur in der Fotografie). Die Negative der auf Bögen zusammengefassten Einzelbilder - mal zwanzig, mal eintausenddreihundertzweiundfünfzig - sind mit einer Nadel zerkratzt (weshalb Soltau sie 'Foto-Radierungen' nennt) und so lange bearbeitet worden, bis Soltaus Körper ausgelöscht ist, und nichts als Schwärze übrig bleibt."

Die Ausstellung "Saved Treasures of Gaza" im Institut du Monde Arabe, die 5000 Jahre kulturelle und archäologische Geschichte in Gaza nachzeichnet, ist zu einem Sommerhit in Paris geworden, weiß Angelique Chrisafis im Guardian. Der Ausstellung gehe es darum, Gaza, einst Handelszentrum und intellektuelles Zentrum, seine Geschichte und Menschlichkeit zurückzugeben, sagt Élodie Bouffard, die leitende Kuratorin. "Eines der wichtigsten Stücke der Ausstellung ist eine kleine Marmorstatue einer Göttin, vermutlich Aphrodite oder Hekate, aus der römischen oder hellenischen Zeit, die einst in einem Tempel saß. Bouffard sagte, das Schicksal der Statue sei ein Symbol für die Geschichte und die archäologischen Herausforderungen in Gaza. 'Sie ist ein Meisterwerk. Sie muss während der Zwangschristianisierung Gazas zwischen 402 und 405 n. Chr. verschwunden sein, aus ihrer Nische in einem Tempel entwendet. Möglicherweise wurde sie ins Meer geworfen, wo sie 1.500 Jahre lang verschwand, bis ein Fischer sie vor Blakhiya fand, einem heute zerstörten Viertel. Er beschloss, sie einem palästinensischen Sammler zu überlassen - so wurde sie gerettet.'"

Weitere Artikel: Der Kunstmarkt hat sich erholt, so scheint es, schreibt Ursula Scheer im Aufmacher des FAZ-Feuilleton. Das liegt allerdings vor allem daran, weil bei Auktionen die Luxusgüterbranche boomt. Ebenfalls in der FAZ gratuliert Andreas Platthaus der britischen Meisterbilderzählerin Posy Simmonds zum Achtzigsten.

Auf den "Bilder und Zeiten"-Seiten der FAZ betrachtet der Volkswirt Bertram Schefold die Gruppe um Diogenes in Raffaels Fresko "Die Schule von Athen" nochmal genauer. Ebenfalls auf den Bilder und Zeiten-Seiten der FAZ erinnert Felix Philipp Ingold daran, wieviele ukrainische Künstler und Schriftsteller der Moderne russifiziert wurden.

Besprochen wird die Ausstellung "Die Moderne im Zoo" im Franz-Marc-Museum in Kochel am See (FAS, mehr hier).

Das Kopieren großer Meister galt lange als grundlegende Form der künstlerischen Auseinandersetzung mit dem Kulturerbe, entsprechend war der Pariser Louvre zunächst fünf Tage die Woche nur für Kopisten geöffnet, erzählt Bettina Wohlfarth in der FAZ. Daran erinnert nun die schlicht "Copistes" benannte Ausstellung im Centre Pompidou Metz, für die hundert zeitgenössische Künstler gebeten wurden, aus einem im Louvre frei gewählten Werk eine neue Arbeit zu schaffen: "Die hundert Künstler, darunter Kader Attia, Nicole Eisenmann, Tim Eitel, Camille Henrot, Thomas Hirschhorn, Victor Man oder Elisabeth Peyton, nahmen Werke aus fast allen Abteilungen zur Vorlage ihrer Auseinandersetzung. Gleich mehrmals wurde auf den Stillleben-Maler Jean Siméon Chardin oder den Romantiker Eugène Delacroix Bezug genommen. Der New Yorker Konzeptkünstler Glenn Ligon fotografierte sich mit einem Gemälde, das er wie eine Geliebte mit der Vorderseite zu sich gekehrt im Arm hält. Der Betrachter sieht nur die Rückseite und erfährt im Bildtext, dass es sich um die größte Ikone der Kunstgeschichte handelt, um Leonardos 'Mona Lisa'."

Sehr zufrieden flaniert Jonathan Jones für den Guardian über das Edinburgh Art Festival, das in einigen Werken immer wieder auch die Vergangenheit des Nahen Ostens aufgreift. Etwa in Mike Nelsons Fotografien poetischer Ruinen einer zerstörten türkischen Stadt, die in der Fruitmarket Gallery ausgestellt werden: "Sie sind am unteren Ende der Galeriewände aufgehängt, mit kahlen Glühbirnen und niedrigen Bänken, um eine intime Vorstellung davon zu vermitteln, wie sich der Künstler diese verlorene Welt vorstellt. Roland Barthes schrieb über seine Fixierung auf eine Fotografie der Alhambra aus dem 19. Jahrhundert: 'Ich möchte dort leben'. Nelson gesteht etwas Ähnliches und unterläuft es dann mit einer Installation in einem anderen Teil der Galerie, die eine inzwischen abgerissene Wohnsiedlung darstellt: eine Rekonstruktion, die zu einem unmöglichen, verschlungenen Labyrinth wird."

Weitere Artikel: Die FAZ füllt das Sommerloch mit der Serie "Kunst in Kontroversen". Jürgen Kaube erklärt im Aufmacher des Feuilletons, worum es geht: "Gefragt werden soll … auch nach den Begriffen und Wahrnehmungsformen, mit denen wir heute an Kunst herantreten." Der Fotokünstler Andres Serrano hat sich für die Gestaltung des amerikanischen Pavillons in Venedig beworben, und zwar mit einem provokativen Projekt, meldet Philipp Meier in der NZZ: Er will eine "Art Trump-Memorabilien-Altar" errichten. Der italienische Fotograf Gianni Berengo Gardin ist im Alter von 94 Jahren gestorben, meldet Zeit Online mit dpa. In der Welt erinnert Gesine Borcherdt jene, die dem deutschen Kunstbetrieb Zensur vorwerfen, daran, "dass laut §130 des Strafgesetzbuches Volksverhetzung hierzulande verboten ist - also alle Handlungen, die gegen bestimmte Bevölkerungsgruppen zu Hass und Diskriminierung anstacheln, wozu auch die Verharmlosung und Verbreitung solcher Inhalte zählt."

Besprochen wird die Ausstellung "Norddeutsche Realisten - Licht, Wetter, Weite" in der Galerie im Marstall in Ahrensburg (taz).

"Die Banalität des Bösen existiert stets auch in Bildform", denkt sich Stefan Trinks in der FAZ, wenn er sieht, wie jüngst die Homeland Security Gemälde für die Propagierung eines weißen Amerikas nutzte. So postete sie auf ihrer Facebook-Seite John Gasts kleinformatiges Ölgemälde "American Progress" von 1872. Zu sehen ist eine "blauäugige blonde Frau in weißem antikisierendem Gewand" mit einem "Schulbuch" in der Hand, die vor Dampfrössern, Soldaten und Farmern herschwebt. "Vor allem aber schiebt die Schwebende gewissermaßen einen ebenfalls weißen Planwagen mit Kolonisatoren vor sich her, deren Hunde bereits Vieh der Indianer zerfleischen, und einen Stamm rothäutiger Indigener mit Federschmuck auf wilder Flucht, von denen sich eine Barbusige mit Tomahawk drohend gegen die Personifikation umwendet, während der Stamm in eine vom Maler durch die Dunkelzone am linken Rand angedeutete ungewisse Zukunft oder gar den Untergang zieht." Der Social-Media-Director der Homeland Security postete unter dem Gemälde: "'A Heritage to be proud of, a Homeland worth Defending', also 'Ein Erbe, auf das man stolz sein kann, eine Heimat, die es wert ist, verteidigt zu werden'".

Martina Meister trifft sich für die Welt mit Christoph Wiesner, Chef der Rencontres d'Arles. Nachdem Trump angekündigt hatte, unliebsame Fotos, die mit DEI in Verbindung gebracht werden könnten, aus Regierungsarchiven zu löschen, war Wiesner auf die Idee gekommen, das Fotofestival unter das Motto "Unbelehrbare Bilder" zu stellen. Es gehe ihm um Bilder, die "Widerstand leisten", erklärt er. "Unter den 'unbelehrbaren Bilder' ist alles zu finden: Fotos der First Nations People aus Australien. Die neue Szene Brasiliens. Die sizilianische Fotografin Letizia Battaglia, die mutig den Terror der Mafia dokumentierte. Der Amerikaner Louis Stettner, dessen Arbeit eine Brücke zwischen der amerikanischen Street Photography und der humanistischen Schule Frankreichs bildete. Das Auge des Modeschöpfers Yves Saint-Laurent, das des Fotografen, aber auch das des Fotografierten."

Weitere Artikel: Beate Scheder (taz) besucht die Berliner Malerin Evelyn Kuwertz in ihrem Atelier. Für die Welt begeht Roger Abrahams gemeinsam mit dem niederländischen Schriftsteller und Kurator Abdelkader Benali das neue Rotterdamer Museum zur Geschichte der Migration Fenix.

Besprochen wird außerdem die Ausstellung "Camille Claudel und Bernhard Hoetger. Emanzipation von Rodin" in der Alten Nationalgalerie in Berlin (FAZ, mehr hier)

"Für Kinder" ist die aktuelle Ausstellung im Münchner Haus der Kunst betitelt - und doch lohnt sie auch für Erwachsene, versichert Brita Sachs in der FAZ. Nicht nur, weil hier Werke von Bruce Naumann oder Ólafur Elíasson ausgestellt werden, sondern weil die Schau jene Kunst seit den späten Sechzigern beleuchtet, als "Avantgarde-Kollektive, feministische Ansätze und politische Gerechtigkeitskämpfe auch die Kunst aufwirbelten" und Künstler Kinder in ihre Arbeiten einbezogen: "Harun Farocki begann damals wunderbare 'Einschlafgeschichten' mit seinen Zwillingstöchtern zu filmen. Die Mädchen liegen im Bett und erzählen sich Beobachtungen und Ausgedachtes über Schiffe, Brücken, Eisenbahnen und Katzen, bevor zu sehen ist, dass auch die verrücktesten Kindergeschichten sich als wahr herausstellen können. Erzählt die eine, sie habe von einem Schiff geträumt, das im Aufzug fährt, was die Schwester nicht glauben mag, zeigt die nächste Einstellung ein Schiff im Hebewerk einer Schleuse."

Ganz "fulminant" findet auch Jörg Häntzschel in der SZ die Ausstellung, die auf Empfindungen und Instinkte abzielen soll, die bei Erwachsenen angeblich nicht mehr aktivierbar sind. Etwa "Ernesto Netos Installation 'Uni Verso Bébé II Lab', ein zeltartiger riesiger, weißer Mutterleib, dessen Inneres voller weicher Stoffe, Bälle und Kissen ein urvertrautes Gefühl von Geborgenheit, Intimität und Leichtigkeit vermitteln soll. Andere Künstler begeistern die Kinder durch gezielten Bruch von Konventionen. Wie Basim Magdy, der für 'Pingpinpoolpong' Tischtennisplatten um Schikanen und Hindernisse ergänzt hat. Die Besucher praktizieren dort einen Mix aus Tischtennis, Billard und Flipper, eine 'unausführbare Sportart', die scheitern und lachen lässt, wie der Wandtext wahrheitsgemäß vorhersagt."

Nicht weniger als die (Kunst-)Geschichte Amerikas von den 1900er bis in die 1980er erzählen will die Ausstellung "Untiteld" im New Yorker Whitney Museum of American Art - und das gelingt prächtig, findet Veronica Esposito, die im Guardian auch einige neue Entdeckungen in der Schau macht: "Eine der Neuerwerbungen, die in der Ausstellung im Mittelpunkt steht, ist das eindrucksvolle Werk 'Massacre at Wounded Knee II' des indianischen Künstlers Fritz Scholder aus dem Jahr 1970. Das zur Abstraktion tendierende Gemälde ist größtenteils in gebrochenem Weiß gehalten, mit einem dünnen, wellenförmigen grünen Band am oberen Rand und zwei abstrakten Figuren in kräftigem Rot, die auf die zahlreichen Morde verweisen, die das Gemälde darstellt. Der Titel bezieht sich auf einen Vorfall aus dem Jahr 1890, bei dem weit über 300 Lakota-Indianer im Rahmen einer langjährigen Kampagne zur Eroberung ihres Landes durch das US-Militär getötet oder verwundet wurden."

Besprochen werden außerdem die Ausstellungen "Susan Sontag. Sehen und gesehen werden" in der Bundeskunsthalle Bonn (taz), "Im Visier! Lovis Corinth, die Nationalgalerie und die Aktion 'Entartete Kunst'" in der Alten Nationalgalerie, die auch das Werk der Gattin Charlotte Berend-Corinth mit in den Blick nimmt (FR, mehr hier) und der von David Rojkowski, der Agentur Focus und der Landeszentrale für politische Bildung Hamburg herausgegebene Band "Ukraine 2004 - 2024. Wir hatten ein normales Leben" (SZ).

Bedeutend zurückgenommener als die zeitgleich im Pariser Centre Pompidou stattfindende Wolfgang-Tillmans-Ausstellung (unser Resümee) erscheint die Schau, die das Haus Cleff dem Fotografen derzeit in seiner Heimatstadt Remscheid ausrichtet, bemerkt Lars Fleischmann (taz), der hier von Tillmans die Geschichte der Stadt Remscheid erzählt bekommt: "Er zeigt ihre Industrie, ihre Maschinen, ihre Arbeiter. Sinnlich und stofflich inszeniert er Schutzkleidungen, glühende Metalle, meterhohe Sägeblätter der ortsansässigen Firma Lennartz. Nah, aber nicht menschelnd, geradezu beiläufig wirken seine farbsatten Aufnahmen aus einer Produktionshalle der Montanfabrik Dirostahl. Ein Arbeiter schaut mit zusammengekniffenden Lippen und müden Augen in die Kamera, hat sich scheinbar gerade erst zu ihr hingewandt, sein Gesichtsschutz ist nach hinten geklappt, sitzt wie die goldene Mitra eines Bischofs über seinem Kopf. Tillmans' Dokumentarismen werden beständig durch seine Werbeästhetik hopsgenommen, manchmal meint man, die Fotografien entstammten einer Image-Kampagne des Bundeswirtschaftsministeriums für die Industrienation Deutschland, hätten die Bilder nicht auch ihre Ambivalenz."

Frank Keil atmet indes in der taz auf, die Kunst von Nan Goldin mal wieder jenseits von BDS-"Getöse" zu sehen - und zwar in der Stadtgalerie Kiel, die in der Ausstellung "High Noon" Fotografien von Goldin, ihren langjährigen Wegbegleitern David Armstrong und Mark Morrisroe sowie von Philip-Lorca diCorcia zeigt, "der mit der Goldin-Clique nie etwas zu tun haben wollte, weshalb er für die Mehrzahl seiner Bilder einen separaten Raum bekommen hat. Dass er am Ende auf eigene Weise doch dazu gehört, sieht man, schaut man seine Serie über männliche Prostituierte in Los Angeles an, für die er 1992 ein Stipendium bekam. Das wiederum war an eine Bedingung geknüpft: Er dürfe von dem Geld keine so genannten obszönen Bilder erschaffen - es war das Zeitalter des Ronald Reagan. Doch diCorcia wusste sich zu helfen: Vordergründig bekleidet, offenbaren seine Protagonisten sorgsam inszeniert ihr Innerstes, dazu nüchtern der Name, der Ort, der Preis pro sexuelle Dienstleistung. Schlicht ikonisch sein Bild 'Marilyn, 28 years old, Las Vegas, Nevada, $30', weit mehr als ein visuelles Marilyn-Monroe-Zitat..."

Weitere Artikel: Mit Blick auf Meditationsräume und Achtsamkeitsübungen in Museen geht Astrid Mania in der SZ äußerst skeptisch der Heilkraft von Kunst nach.

Besprochen werden die Ausstellung "Camille Claudel und Bernhard Hoetger: Emanzipation von Rodin" in der Alten Nationalgalerie in Berlin (Tsp), die Ausstellung "Vamos a la playa. Ferien unter Franco" im Museum Europäischer Kulturen in Berlin (taz) und die Yoshitomo Nara-Ausstellung in der Hayward Gallery in London (NZZ, mehr hier).

Gaby Hartel schwebt für die taz nahezu durch die Werkschau "A K Dolven. amazon", die das Osloer Nationalmuseum der Künstlerin ausrichtet. Schon vor der Tür geht es los mit dem einmischenden Charakter ihrer Installationen: "In 'Untuned Bell' (2010-2020) geschieht dies im Dialog mit der Überwältigungsarchitektur, die den kleinen Osloer Jachthafen dominiert: der Festung, dem gigantischen Rathaus und dem gastgebenden Nationalmuseum selbst. (…) Vor diesem Dreieck städtebaulicher Selbstdarstellung demonstriert A K Dolvens große, elegante Soundskulptur, dass ein künstlerisches Statement im öffentlichen Raum dem Publikum zugewandt sein kann. Zwischen zwei Stahlpfeilern an einem Stahlseil hängt in 20 Metern Höhe eine große, schwere Glocke, die zum Klingen gebracht wird durch das entschiedene Niederpressen eines 'Cry Baby'-Fußpedals, eines Readymades aus der Rockgeschichte. Die Assoziation der englischen Redewendung 'putting your foot down' (etwa: 'den eigenen Standpunkt behaupten') ist durchaus erwünscht. Denn jede:r Passant:in ist eingeladen, das Pedal zu bedienen und durch diesen performativen Akt nicht nur spielerisch den normierten Alltagstrott zu unterbrechen, sondern mit dem Glockensound auch ein demokratisches Störgeräusch in die Stadtratssitzungen zu senden."

Weiteres: Die überbordende Kunst des mittelalterlichen Buches "Très Riches Heures du duc de Berry" ist nach 600 Jahren zum ersten Mal in Gänze im Chateau de Chantilly zu sehen, der Auftraggeber starb, bevor er das Werk je in voller Pracht erblicken konnte, weiß Dirk Schümer in der Welt.

Besprochen werden: "Camille Claudel und Bernhard Hoetger: Emanzipation von Rodin" in der Alten Nationalgalerie (Tagesspiegel), "Joseph Kosuth: Non autem memoria" im Kunstmuseum Stuttgart (FAZ) und "Madrid Icono Pop 1964-1979" im Kulturhaus El Aguila (taz).

In "Bilder und Zeiten" (FAZ) fragt sich Bernd Stiegler, woher das neue, durch zahlreiche Studien dokumentierte Interesse an der Arbeiterfotografie der Weimarer Republik kommt. Sie ist so wenig bildbandtauglich, denkt er sich, und eröffnet einen neuen Blick auf die Fotografie jener Zeit: "Man verlässt das Feld der Kunstgeschichte, in der Karl Blossfeldt, Albert Renger-Patzsch oder August Sander, um nur das Dreigestirn der Neusachlichen Fotografie zu nennen, mittlerweile fest etabliert sind, und betritt das der Visual Culture, das auch ohne Namen auskommt. Viele der seinerzeit publizierten Aufnahmen trugen nämlich keine Namen. Sie stammen von Arbeitern, nicht von Künstlern. Dadurch ergibt sich - und das dürfte ein zweites Faszinosum dieser Aufnahmen sein - eine andere Haltung zu den Bildern, die ganz bewusst auf eine emotional-solidarische Mobilisierung zielen. Nicht die politische Position der Fotografen ist entscheidend, sondern die emotionale Wirkung ihrer Bilder."

Weiteres: In der NZZ berichtet Philipp Meier von der Arte Soazza im Misox, wo zehn Künstler Werke vor Ort geschaffen haben. Besprochen werden die Ausstellung "Fiona Tan: Monomania" im Rijksmuseum Amsterdam (Welt), eine Ausstellung mit Arbeiten von Ursula Sax und Renate Hampke in der Berliner Galerie Semjon Contemporary (Tsp), eine Ausstellung des österreichischen Künstlers und Umweltaktivisten Edgar Honetschläger im Nordico-Stadtmuseum in Linz (Standard) und eine Ausstellung des Maler-Ehepaar SOOKI und Mathias Koeppel in der Berliner Galerie Nierendorf (Tsp).

Mit gleich vier Ausstellung ist 2025 das große Jahr von Wolfgang Tillmans, die "größte und radikalste" Ausstellung aber findet unter dem Titel "Nothing could have prepared us / Everything could have prepared us" im Pariser Centre Pompidou statt, notiert ein hingerissener Jörg Häntzschel, der sich für die SZ auf einen "intellektuellen" Parcours durch Tillmans' Lebenswerk begibt: "Tillmans arbeitet oft wie ein Dokumentarist des politischen Wandels, sucht wie ein Reporter Orte auf, an denen Geschichte stattfindet: Er fotografiert russische Soldaten vor einer Dior-Boutique in Moskau, 'Black Lives Matter'-Demos, die amerikanisch-mexikanische Grenze. Doch kaum ist das Wichtige aufgezeichnet, konterkariert er dessen Bedeutsamkeit zum Teil wieder: vielleicht mit einem Foto von einem Vogel, von zwei Eiern auf einem Teller oder einer Gruppe kartenspielender Hausangestellter in Hongkong. ... Das Visuelle ist politisch, betont Tillmans in seinen Fotos immer wieder."

Seit drei Jahrzehnten zieht das Ausstellungsprojekt "Rohkunstbau" durch verschiedene Schlösser in Brandenburg und hält dieses Jahr mit der Ausstellung "Ästhetische Wiederbewaffnung" mal wieder im Schloss Altdöbern in der Lausitz Einzug, freut sich Katrin Bettina Müller in der taz. Die Werke, die hier ausgestellt werden, tragen keine platten politischen Botschaften, sondern überzeugen durch "Verführung, Überschwang, morbide Schönheit, dramatisches Spiel, witzige Fiktionen, märchenhafte Elemente", staunt Müller. Etwa die Arbeit "All her Colours" von Birgit Dieker, die mit Textilien, Altkleidern und ihren Gebrauchsspuren arbeitet: Ihre Skulptur, "aus vielen Schichten Stoff gebaut, wölbt sich wie ein Mantel mit Kapuze über einem schwarzen Stamm mit Wurzeln, ebenfalls detailreich aus Stoffen geformt. Das Gewachsene und das Menschengemachte bilden zusammen eine hybride Figur. Umgeben ist sie von bukolischen Szenen in den alten Wandbildern. Was dort noch als Harmonie inszeniert ist, muss in Diekers Arbeit die Balance immer wieder neu tarieren."