In der NZZ berichtet Susanna Koeberle von der Collectible-Messe in Brüssel, wo es ausschließlich zeitgenössisches Design zu sehen gibt. Attua Aparicio Torinos vom Londoner Designerduo Silo Studio stellt dort ihre bei einem Aufenthalt in China entworfenen, mit Emojis verzierten Teller aus, die auf beschädigten, mit chinesischen Sprichwörtern basierten Tellern basieren: Diese "werden dort in Massen produziert, die Designerin verlieh ihnen durch das Anbringen einer zusätzlichen Schicht eine neue Identität - ein Verfahren übrigens, das der chinesischen Kultur gar nicht so fremd und durchaus als Reverenz an diese Tradition zu verstehen ist. Mit den chinesischen Handwerkern kommunizierte Aparicio Torinos meist über Emojis, so dass die Wahl dieses Motivs in doppelter Hinsicht etwas über unsere Zeit aussagt. Wir leben in einer globalisierten Welt, doch wir reden unterschiedliche Sprachen. Wenn wir miteinander sprechen, schauen wir einander ins Gesicht, daran hat sich bis heute nichts geändert."

Wolfgang Müller von der "Tödlichen Doris" verabschiedet sich im Tip von Tabea Blumenschein (mehr dazu bereits gestern), einem Urgestein der Westberliner Szene um 1980 und Vorreiterin queer-feministischer Punkästhetik: "Tabea meinte: 'Ich mache mich doch nicht hässlich, um Männern zu missfallen, sondern schön, um Frauen zu gefallen.' Ihre Modezeichnungen für die deutsche Ausgabe von Warhols Interview ignorierten die Konventionen ihrer Zeit. Tabeas Models hatten Beinprothesen, sie waren zu dick, zu dünn oder *Trans. Jedenfalls lagen sie jenseits klassischer Schönheitsnormen." Einen weiteren Nachruf schreibt Harry Nutt in der Berliner Zeitung.

Für die Mode als Betrieb und Zeitgeistphänomen hat Katrin Kruse wenig übrig, schreibt sie in der taz. Stattdessen will sie den Begriff der "Postfashion" starkmachen, in der es keine Vorgaben mehr gibt, gängige Codes erodieren und vor allem ein spielerischer Charakter vorherrscht. Daraus ergeben sich drei Folgen, meint sie. "Erstens: Je mehr man sich für die Sprache der Mode interessiert, desto weniger geht es um Shopping. Zweitens: Je mehr man sich auf das konzentriert, was Kleider am Körper machen, auf das Umfasstwerden durch Stoff, auf Schwere und Leichtigkeit, darauf, welchen Effekt das Outfit auf die Haltung und die Bewegung und das Spürbewusstsein hat, desto mehr ist man verkörpert in diesem Outfit. Auch das nämlich gehört nicht notwendig zur Mode: das Objektverhältnis zum eigenen Körper. ... Die dritte Folge des Spiels ist, dass das Scannen nach Bedeutung verschwindet." (Nun, damit waren ihr einige Modedesigner um etwa 50 Jahre voraus.)

In der NZZ feiert Daniele Muscionico den eher übel beleumundeten Stiletto als "ein feministisches Instrument mit Ermächtigungspotenzial. Ihn zu tragen, zu leiden und gleichzeitig zu genießen, ist ein Akt der Selbstbestimmung. ... Es gibt Gesundheitsschuhe, angenehm und weich wie ein Handschuh für den Fuß, doch oft hässlich wie die Nacht. Und es gibt den High Heel, ein Folterinstrument zwar wie die Eiserne Jungfrau, doch verflixt attraktiv und aussichtsreich. Sich die Welt einmal von oben besehen, auch auf Männerglatzen blicken, auf schlechte Toupets, ist das nicht vielversprechend? High Heels sind nicht die Rache an unserem Geschlecht. Sie sind lediglich die Rache an jenen, die sie für uns erfunden haben."

Die Geschichte chinesischer Wirtschaftspolitik lernt Nadia Sayej (Guardian) in der Ausstellung "The Sleeping Giant: Posters & The Chinese Economy" im Londoner Poster House kennen. Gezeigt werden chinesische Propaganda-Plakate der 1920er bis 2000er Jahre: "In den späten 1930er Jahren wird es dunkel, mit einer Sammlung gewalttätiger Militärplakate vor dem zweiten chinesisch-japanischen Krieg, auf denen steht: Military First - Victory First. Noch seltsamer wird es 1949, als Mao Zedong an die Macht kam und chinesische Plakate mit offenen Obertönen des sowjetischen sozialistischen Realismus hergestellt wurden . Ein Plakat aus dem Jahr 1977 zeigt einen Landarbeiter mit dem Satz: Harte Arbeit und Innovation wurzeln auf dem Land."

So bringt man van Gogh unter die Leute: In Monopol stellt Fenja Graf kurz die neue Streetwear-Kollektion des Labels "Daily Paper" vor, die mit van-Gogh-Motiven geschmückt ist. "Die Mission des Van Gogh Museums war in erster Linie, das Vermächtnis des Niederländers auch für ein jüngeres Publikum interessant und zugänglich zu machen - so kam es zu der Kollaboration mit 'Daily Paper'. Das 2012 gegründete Label wiederum sieht in der Authentizität des Künstlers und dem unbeirrten Beschreiten seines eigenen Weges Parallelen zur eigenen kreativen Arbeit - die Köpfe hinter dem Label, Abderrahmane, Hussein und Jefferson, wollen mit ihrer Mode auf die fehlende Präsenz von afrikanischen Jugendkulturen und der Diaspora im westlichen Diskurs aufmerksam machen, ungeachtet der Hindernisse, die ihnen dabei begegnen. Im Falle der Capsule Collection soll allerdings auch ihre niederländische Identität aufgegriffen werden, bewusst verwenden sie dazu vor allem weniger bekannte Arbeiten des Künstlers, darunter viele bunte Blumen-Stillleben und Landschaften."

FAZ-Kritiker Ulf Meyer durchwandert in der Ausstellung "Home Stories" im Vitra Design Museum hundert Jahre Wohnkultur und stellt fest, dass Ausstattung und Individualität einer Wohnung zweitrangig geworden sind, es zählt die Lage: "Nichtmöblierte Interieurs sind heute en vogue. Das Bestreben, aus einem Interieur ein Gesamtkunstwerk zu machen, wurde eingestellt. Dafür ist die Kunstform der Innenraumgestaltung wohl auch zu ephemer. Unter den Millennials herrscht Unlust, aus dem eigenen Heim ein Lebensprojekt zu machen. Der homo movens bevorzugt den Dauertourismus und braucht kein 'Zuhause als Selbstdarstellung'. Möbel sind in dem Zusammenhang oft nur kurzlebige Konsumgüter. Der 'Flur-Grundriss', wie er Millionen von Wohnungen in Deutschland prägt, scheint deshalb ebenso obsolet wie Nobelküche und Wohnzimmer. Das Zuhause soll aussehen und funktionieren wie ein Boutique-Hotelzimmer."

Der Mensch trägt nicht nur gerne Kleidung tierischen Ursprungs, er verziert seinen Alltag auch gerne mit Darstellungen von Tieren, schreibt Claudia Mäder in der NZZ nach Besuch der Ausstellung "Energie animale" im Museum für Gestaltung Zürich. "Die Funktionalität der tierischen Materialien ist immer nur eine Seite der Sache. Denn etliche Formen und Farben, die draußen in der Natur auftreten, bestechen auch durch ihre schiere Schönheit, und also versucht der Mensch, der Mächtige, die Pracht auf sich zu übertragen. Leicht kann es komisch wirken, wenn er sich so mit fremden Federn schmückt, Hütchen aus halben Vögeln auf dem Kopf trägt oder mit Mokassins im Schlangenstil durch die Stadt pirscht. Nicht selten aber gelingt der Transfer; diverse Mäntel und Kostüme zeugen in der Schau davon. Dass diese Aneignungsprozesse zuweilen blutig verlaufen und ethische Fragen aufwerfen, verschweigt das Museum nicht."

Anne Feldkamp führt im Standard durch die große Überblicksschau, mit der sich das Wiener MAK der Geschichte der österreichischen Mode widmet: "'Bloß keine klassisch brave Kostümausstellung mit großer Puppeninszenierung und distanzschaffenden Schauvitrinen' habe man im Sinn gehabt, hatte das Kuratorenduo Ulrike Tschabitzer-Handler und Andreas Bergbaur im Vorfeld erklärt. Tatsächlich ist Show Off eher eine poppige als puppige Angelegenheit geworden.

Besprochen wird die große Charlotte-Perriand-Ausstellung in der Fondation Louis Vuitton in Paris (taz, mehr dazu bereits hier und dort).