In der SZ rollt Marlene Knobloch auf einer ganzen Seite, seltsamerweise offenbar auf Bitten von Johann König, den Fall des Galeristen nochmal auf, der vor zwei Jahren der sexuellen Belästigung beschuldigt wurde und seitdem persona non grata im Kunstbetrieb ist. Angeklagt wurde er nie, und der Artikel mit den Beschuldigungen, den die Zeit damals veröffentlichte, musste zum Teil qua Gerichtsbeschluss um ein gutes Viertel gekürzt werden. Knobloch gibt noch mal alle Gerüchte wieder, hört sich Königs Verteidigung an und weiß am Ende auch nicht mehr. Nur dass ihr die Sache irgendwie unangenehm ist. Muss er sich denn so laut verteidigen? So bitter sein? "König hat eine neue Galerie in Mexico City eröffnet mit Mezcal-Cocktails, blauem Himmel, neuen Leuten. Zwei Wochen nach der Eröffnung schickt er einen Screenshot einer mexikanischen Künstlerin, 'Bitte folgen Sie mir nicht, ich will keine Kommentare von Sexualstraftätern'. Hoffnungslos sei alles, man habe ihn kaputt gemacht, schreibt König. Aber als wer man weiterexistiert, entscheidet man auch selbst. Es ist wie bei einem Bild, es kommt auf die Details an, worauf man sich konzentriert, ob man Fehler zugibt, ob man laut oder leise auftritt, geläutert oder wütend."

Weiteres: Patrick Bahners erkundet für die FAZ die neue Hängung im Düsseldorfer Kunstpalast. Stefan Trinks gratuliert in der FAZ dem Maler Werner Büttner zum Siebzigsten.

Spätestens mit den großen Klint-Ausstellungen in Stockholm, Berlin und im Guggenheim Museum in New York wurde die schwedische Malerin Hilma af Klint wiederentdeckt, nun stellt das Düsseldorfer K20 sie mit Wassily Kandinsky einem anderen "Pionier der Abstraktion" gegenüber, kuratiert von Julia Voss und Daniel Birnbaum, die auch ein Buch zur Ausstellung verfasst haben, freut sich Tobias Timm in der Zeit: Die Kuratoren "haben erstaunliche Überschneidungen zwischen dem Wirken der Künstler gefunden. Beide schworen auf die Vibration (heute würde man vielleicht vom Vibe sprechen). Af Klint glaubte, dass ein 'Urton' alles Lebendige in unserem Inneren zum Vibrieren bringe. Kandinsky schrieb: 'Die Farbe ist die Taste. Das Auge ist der Hammer. Die Seele ist das Klavier mit vielen Saiten. Der Künstler ist die Hand, die durch diese oder jene Taste zweckmäßig die menschliche Seele in Vibration bringt.' Sowohl af Klint als auch Kandinsky hörten Rudolf Steiner auf Vorlesungen, interessierten sich für die Theosophie und das Atom. Und beide malten gleich mehrfach den heiligen Georg, wie er den Drachen bekämpft. Wahlweise diente er ihnen als Symbol für den siegreichen Kampf des Geistes gegen die Materie, gegen die Laster, gegen die herrschende Ordnung."

Kurz nach dem Tod von Günter Brus gibt es kaum einen besseren Zeitpunkt für die Eröffnung des Wiener Aktionismus Museums, meint Stefan Weiss, der das seit heute eröffnete Haus für den Standard bereits besucht hat: "In sieben Stationen verfolgt das auf das Erd- und das Kellergeschoß angelegte Museum den Werdegang der vier Künstler anhand ihrer Arbeitsweise: Alle begannen sie zunächst mit dem brav akademischen Tafelbild, und alle lösten sich davon bis hin zu Aktionen, die Body- und Performance-Art mitbegründeten. Deutlich wird, wie sehr die Protagonisten sich als Fortführer der Wiener Moderne um 1900 verstanden: Der Expressionismus von Kokoschka, Schiele und Gerstl findet sich bei Brus, Muehl und Nitsch wieder, mystischer Symbolismus und die stetige Suche nach Reinigung bis hin zu obskuren Diätritualen haben Schwarzkogler beschäftigt. Die Kritik am Wiener Aktionismus - Machismus, martialischer Gestus, Frauen nur als passive Akteurinnen - will das WAM offen diskutieren, aber schon auch widerlegen: Man habe zum Beispiel mit allen lebenden abgebildeten Akteurinnen und Akteuren gesprochen und die Rückmeldung erhalten, dass sie ihre Teilnahme an den Aktionen als befreienden Moment erlebt hätten."

Weitere Artikel: In der Berliner Zeitung spricht Sophie-Marie Schulz mit dem Ostkreuz-Fotografen Sebastian Wells, dessen Projekt "Typ/Traube/Tross" über Identitätskonstruktionen nationalistischer Bewegungen ab heute im Berliner Haus am Kleistpark zu sehen ist. Besprochen wird die Retrospektive zum 100. Geburtstag von Roy Lichtenstein in der Wiener Albertina (FAZ, mehr hier).

Nicola Kuhn flaniert für den Tagesspiegel durch die Wiener Albertina und betrachtet die Arbeiten Roy Lichtensteins. Und stößt dabei durchaus auch auf Überraschungen im Werk des Großmeisters der ironisch distanzierten Pop Art: "In seinem Spätwerk lässt der Künstler die Punkte auf einmal vibrieren, erlaubt sich farbige Abstufungen und feiert 1995 die pure Lebenslust in einer 'Badeszene mit Seestern', in der sich vier unbekleidete Blondinen einen Ball zuwerfen. Schon zuvor hatte er sich Variationen erlaubt und überraschend in den 1980er Jahren richtige Pinselstriche auftauchen lassen, die nicht wie sonst stilisiert waren. Fast erschrickt man vor dem unheimlichen 'Gesicht' (1986) aus der Sammlung Batliner, das heute der Albertina gehört. Ein brauner Wusch fährt durch das finstere Antlitz, die Nase besteht aus einem fetten grünen Strich."

Karen Krüger besucht währenddessen für die FAZ eine Ausstellung, die die Gallerie d'Italia in Mailand dem Porträtmaler Giovanni Battista Moroni widmet. Lange Zeit galt dieser als bloßer Provinzmaler, lesen wir, und stand im Schatten berühmter Zeitgenossen wie Tizian. Inzwischen jedoch wird die besonders lebensnahe Kunst Moronis wiederentdeckt. Was sie auszeichnet, stellt Krüger unter anderem mit Blick auf dessen bekanntestes Bild "Porträt eines Schneiders" dar: "Der Schneider steht in seiner Werkstatt, die Schere in der Hand, und ist im Begriff, den schwarzen Stoff vor sich zu zerteilen. Er schaut auf, seinem Betrachter in einer Mischung aus Neugier, Konzentration und Stolz direkt in die Augen. Genauso war er, so hat er die Jahrhunderte überdauert. Einem Maler wie Tizian wäre ein Alltagswerkzeug wie eine Schere wahrscheinlich zu profan für ein Gemälde gewesen. Statt des kahlen, weitgehend im Dunkeln liegenden Hintergrunds, der nach muffiger Feuchtigkeit zu riechen scheint und auf den nur etwas Licht von oben fällt, vermutlich aus einem Kellerfenster, hätte er sicherlich einen Vorhang oder einen Ausblick auf die Landschaft gemalt."

Darauf hat die Welt gewartet: Ex-Finanzminister Hans Eichel macht in der FR "einige Anmerkungen zum Abschlussbericht des Gremiums zur fachwissenschaftlichen Begleitung der documenta fifteen". Vier eindeutig antisemitische Werke sind in dem Dokument gelistet. Eichels Reaktion: "Das war's?! Fünfzehnhundert Künstlerinnen und Künstler, fünf- bis siebenmal so viele wie bei jeder documenta zuvor, oft in Kollektiven verbunden, nahmen an der documenta fifteen teil. 'Antisemita', 'documenta der Schande', 'Feuerwerk des Antisemitismus'? Keine Frage: Jedes antisemitische Kunstwerk ist eines zu viel. Hat aber nicht angesichts des Gremiumbefundes der Hessische Ministerpräsident Boris Rhein recht: 'Schätzungsweise 99 Prozent derer, die dort ihre Kunst ausstellen, sind keine Antisemiten und zeigen auch keine antisemitische Bildsprache' (HNA vom 11.8.2022). Wie genau auch immer: Wir könnten uns glücklich schätzen, wenn es in Deutschland so wenig Antisemitismus gäbe wie auf der documenta fifteen."

Weitere Artikel: Eva Murašov und Adrian Schulz unterhalten sich im Tagesspiegel mit dem Juristen Benjamin Lahusen darüber, warum die Rückgabe von NS-Raubkunst weiterhin so langsam vonstatten geht. Ebenfalls für den Tagesspiegel besucht Nikolaus Bernau eine Münchner Tagung, die sich mit dem Thema Raubkunst aus China beschäftigt. In der FR spricht Joachim Frank mit dem Theologen Manfred Lütz über die Bedeutung antiker Bildnisse. Jörg Häntzschel beschäftigt sich in der SZ mit Donald Trumps fehlendem Sinn für Kunst.

Besprochen werden zwei Surrealismusausstellungen in Brüssel (siehe auch hier), "Imagine! 100 Jahre internationaler Surrealismus" im Königliche Museen der Schönen Künste Belgiens und "Histoire de ne pas rire. Surrealismus in Belgien" im Bozar (NZZ), Marcel van Eedens Ausstellung "Der heimliche Kaiser" im Museum für Photographie Braunschweig und Mönchehaus Museum Goslar (taz Nord), "Kryptomania. Die Verheißungen der Blockchain" im Zeppelin Museum Friedrichshafen (taz), Sofie Dawos Schau "Vom Faden zur Form" im Kunsthaus Dahlem, Berlin (Tagesspiegel) und die Angelika Loderer gewidmete Ausstellung "Soil Fictions" im Wiener Belvedere 21 (Standard).

Zunächst war die Ausstellung "In the Eye of the Storm" mit ukrainischer Kunst aus der Zeit zwischen 1900 und der Russifizierung im Stalinismus im Museum Thyssen-Bornemisza in Madrid zu sehen, erweitert um die "Modernismen in der Ukraine" zeigt nun das Wiener Belvedere die Schau, freut sich Bernhard Schulz auf Monopol, denn die aktuelle Ausstellung konzentriert sich vor allem auf die Eigenarten ukrainischer Kunst, die oft verallgemeinernd der "russische Avantgarde" zugerechnet wird: "Der starke Bezug auf die Volkskunst und damit auf das 'Eigene' begleitet die ganze Epoche der ukrainischen Kunst bis zu ihrer gewaltsamen Unterdrückung nach 1930. Damit gleicht die Ukraine anderen Nationen aus dem vormaligen russischen Zarenreich, die ihre Eigenart suchten, wie Finnland oder die baltischen Länder. Umgekehrt öffneten sich die ukrainischen Künstler bereitwillig den Einflüssen aus Paris oder München, wohin es vor 1914 zahlreiche Künstler zum Studium zog. Sehr eigenständig sind etwa die Großformate des frühvollendeten Wsewolod Maksymowytsch, der seinem Leben mit nur 19 Jahren ein Ende setzte, oder die floralen Bildtafeln von Mychajlo Schuk, wie auch die lyrischen Landschaften von Abram Manewytsch."

In der FAZ schäumt Andreas Platthaus nach dem Besuch der Ausstellung "Galka Scheyer und die Blaue Vier" im Städtischen Museum in Brauschweig, die ein paar Werke des Modells von Alexej von Jawlensky zeigt: "Der Scheyer-Nachlass liegt in Pasadena, und von dort bekam das Städtische Museum zwar fünf Originalwerke ausgeliehen, aber dabei handelt es sich um Kinderbilder aus den Malklassen, mit denen die zunehmend verarmende Scheyer sich ein Zubrot verdient hat. Kein einziges ihrer mehr als fünfhundert Bilder umfassenden Privatsammlung oder auch nur etwas Originales aus dem reichen Korrespondenzbestand ist zu sehen."

Besprochen wird außerdem die Ausstellung "About Meat" mit Werken der veganen Künstlerin Carolin Günther in der Berliner Galerie Arnarson & Sehmer (Berliner Zeitung).

Bei den Ruhrbaronen fürchtet Stefan Laurin, der von der Kunstsammlung NRW verliehene Kunstpreis "K21 Global Art Award" könnte in diesem Jahr an die kanadische Künstlerin Hajra Waheed gehen. Deren "große Leidenschaft jenseits der Kunst scheint der Kampf gegen Israel zu sein". Sie gehörte zu den Unterzeichnern des Aufrufs, der den Ausschluss Israels von der diesjährigen Biennale in Venedig fordert. Waheed unterzeichnete "schon im Oktober 2023, nur wenige Tage nach dem Abschlachten von Juden, einen 'Offenen Brief der Kunstszene an Kulturorganisationen', in dem es heißt, es gäbe 'zahlreiche Beweise dafür, dass wir Zeugen eines Völkermords sind, bei dem das ohnehin prekäre Leben der Palästinenser als unwürdig erachtet wird.' Damit waren natürlich nicht die ermordeten Israelis und die Bürger anderer Staaten gemeint, die von den islamischen Banden umgebracht wurden."

Besprochen wird die Ausstellung "Apropos Hodler - Aktuelle Blicke auf eine Ikone" im Kunsthaus Zürich, die den Schweizer Nationalmaler mit 30 zeitgenösschen Werken rund um Hodlers Gemälde "ausgeklopft wie einen alten Teppich", notiert ein zufriedener Philipp Meier in der NZZ.

Katharina Rustler wird ganz wehmütig, wenn sie durch die große Roy-Lichtenstein-Retrospektive spaziert, die die Wiener Albertina dem amerikanischen Maler zum Hundertsten ausgerichtet hat. Soviel Leichtigkeit, so viel Selbstironie. Könnte man heute wieder brauchen, denkt sie sich. "Durch die übertrieben aufgeblasenen, klischeehaften Darstellungen von immer attraktiven Hausfrauen oder poppigen Alltagsprodukten aus der Werbewelt hielt er einer konsumgierigen Gesellschaft den Spiegel vor - ohne jemals moralisierend aufzutreten. Durchschaut man diese super makellose Oberfläche, muss man über die Absurdität der transportierten Schönheitsideale, der überdimensionalen Produkte sowie der kitschigen Landschaften schmunzeln. Eine Büste mit dem Titel 'Die Blondine'! Eine knallige Kristallschale in XXL! Der 1997 verstorbene Künstler fragte selbst: 'Was kann man schon malen, das nicht von vornherein lächerlich ist?'"

Die Zeiten sind andere geworden: "Brandgeruch, Feuer, Schwefel, Asche, Tod - diese krassen Assoziationen wecken bei mir Lada Nakonechnas Bilder. Sie hat sie im Rhythmus der Stufen, hinab in die kleine Ausstellungshalle von Eigen+Art in der Auguststraße, gehängt", erzählt in der Berliner Zeitung eine tief beeindruckte Ingeborg Ruthe, die die Künstlerin in der Galerie getroffen hat. "Sie weiß, dass sie mit ihren simplen symbolischen 'Krücken' aus den Ästen zerstörter Bäume, ihren Collagen aus Fotos, Grafitstrichen und Klebestreifen nur Herz und Geist berühren kann, derweil ihre Landsleute in den Ruinen, in den Luftschutzkellern von Awdijiwka und Odessa leiden, ukrainische Soldaten an der Front kämpfen und sterben. Kunst ist keine Waffe, die den Verbrecher Putin besiegt. Aber die Künstlerin zeigt die Fratze des Krieges in ihren harten Zeichnungen neben oder über den montieren Fotos, nicht in Aufnahmen der getöteten Soldaten und Zivilisten, sondern metaphorisch: die zerstörten ukrainischen Landschaften, die Felder und Wälder, in denen es keine Spur von Romantik oder Märchen mehr gibt."

Derweil schwelgt FAZ-Kritikerin Felicitas Witte im Kunsthaus Aargau in den Farben des Schweizers Augusto Giacomettis, einem der ersten abstrakten Maler: "Der Parcours beginnt mit dem 'freien Schaffen'. Zu sehen ist das für den Jugendstil typische langgestreckte Bild 'Die Nacht' von 1903 mit einer schwebenden grün-weißen Frau, für das der 27 Jahre alte Maler den Eidgenössischen Preis für Freie Kunst bekam. In der 'Landschaft' von 1911 ist der Baum im Stadtpark noch zu erkennen, scheint sich aber durch die mit Pinsel und Spachtel einzeln aufgetragenen Farbflecken schon aufzulösen." In seinen "Chromatischen Phantasien" wird's dann endgültig abstrakt. "In dem einen - 'Eine Besteigung des Piz Duan' - sind gelbe, grüne, ockerfarbene, hellgraue und weiße kugel- oder klecksförmige Farbflächen nebeneinander angeordnet. Ein Kritiker plädierte damals spöttisch dafür, das Bild 'Empfindungen nach einer kräftigen Ohrfeige' zu nennen.'"

Weitere Artikel: Birgit Rieger unterhält sich für den Tagesspiegel mit Jenny Schlenzka, der neuen Direktorin des Berliner Gropiusbaus, über deren Programm, das weniger elitär werden soll: "In New York im MoMA, im PS1 und im traditionsreichen von ihr umbenannten Performance Space New York hat sich Schlenzka zur Spezialistin für Performancekunst und interdisziplinäre Praktiken entwickelt. Neben Ausstellungen sollen im Gropiusbau 'performative und interdisziplinäre Formate' eine Rolle spielen: Konzerte, Soundinstallationen, Tanz-Events, Tischtennis oder Boxkämpfe." Eva-Lena Lörzer besucht für die taz die israelische Künstlerin Varda Getzow, die heute in Berlin lebt.

Besprochen werden außerdem die Ausstellungen "Auf den Schultern von Riesinnen" im Wiener Künstlerhaus (Standard), "Miranda July: New Society" im Osservatorio Fondazione Prada in Mailand (FAZ) und "Echos der Bruderländer" im Berliner Haus der Kulturen der Welt (FR)

In dieser "Schule der Liebenden" drückt FAZ-Kritikerin Katharina Deschka gerne die Schulbank: Die niederländische Künstlerin Melanie Bonajo hat in Zusammenarbeit mit dem Sexualpädagogen Daniel Crämer, der Kuratorin Yanna Rüger und dem inklusiven Zürcher Theater Hora in der Kunsthalle Mainz ein "genresprengendes Kunst- und Bühnenprojekt" geschaffen, so Deschka. "In einer bunten Landschaft mit schwebenden Blasen, glitzernden Seen, Liegeinseln und beweglichen Blüten belehrt eine Frau mit abstehenden Zöpfen, blau geschminktem Mund und wackelnden Drähten am Kopf als eine Art moderne Version von Pippi Langstrumpf ihre Zuschauer und das Ensemble darüber, was Liebe, Sexualität und Beziehung alles sein kann und darf. Und das ist vieles, eigentlich alles, 'was sich gut anfühlt', wie sie sagt, für 'dich und den Partner'. Denn natürlich soll darüber aufgeklärt werden, dass Menschen sich längst nicht nur in männliche und weibliche Personen einteilen lassen, es für Sex kein Rezeptbuch gibt und auch Geschlechtsorgane 'alle anders' aussehen. Ein Skulpturenpark der Organe, durch den die erstaunten Darsteller wandeln, demonstriert das auf komische Weise. Überhaupt sind die Schauspieler großartig".

Noch immer haben Frauen in der Kunst einen schweren Stand, so verdienen sie beispielsweise rund ein Viertel weniger als ihre männlichen Kollegen, ärgert sich Lisa Berins in der FR. Auch in den Museen sieht man sie zu wenig, aber Schritt für Schritt ändert sich das - sie werden "wiederentdeckt", wie es so schön heißt. "Aber was heißt Wiederentdeckungen? Wohin waren die Künstlerinnen denn verschwunden? Natürlich haben Frauen immer Kunst gemacht, nur hatten sie kaum eine Chance, sich damit zu profilieren. Und selbst wenn sie sehr erfolgreich waren, wurden sie mit der Zeit vergessen oder ignoriert", so Berins und verweist auf Sofonisba Anguissola (1531/32-1625), Artemisia Gentileschi (1593-1654) oder Angelika Kauffmann (1741-1807), Lavinia Fontana (1552-1614) oder Elisabetta Sirani (1638-1665). Auch heute noch kann frau sich diese Frauen gut zum Vorbild nehmen, findet Berins.

Auch im Arp-Museum Bahnhof Rolandseck in Remagen kommen endlich Künstlerinnen zu ihrem Recht, freut sich Alexandra Wach in der FAZ. Neben Sofonisba Anguissola oder Artemisia Gentileschi kann in "Maestras. Malerinnen 1500-1900" auch die Genferin Alice Bailly entdeckt werden: "Unter dem Eindruck des Kubismus begann sie Alltagsszenen in geometrische Flächen aufzulösen. 1914 entsteht die grandios flirrende Arbeit 'Der Tee', die vier Frauen mit neun Händen vor starkfarbigem Hintergrund nach Teetassen greifen lässt und dabei am Vorabend des Ersten Weltkriegs eine bourgeoise Welt in Auflösung evoziert. 'Die Kunst ist keine Angelegenheit von Rock oder Hose', sagte Bailly einmal. Deshalb ist jeder ihrer dynamischen Pinselstriche mit einem unsichtbaren Fragezeichen versehen. Das Geschlecht gibt keine Antwort. Dem Arp-Museum kann man aber dankbar sein, dass es diesen mitunter beinahe erloschenen Sternen der Malerei Strich für Strich wieder zum Strahlen verhilft."

Weiteres: Die Künstlerin und Aktivistin Dafne B hat der Neuen Nationalgalerie eine tonnenschwere Stahlskulptur vor die Tür gesetzt, um für Frieden zu protestieren: Die Leitung will sich wehren und die Skulptur notfalls abreißen, meldet die Berliner Zeitung. Ingeborg Ruthe gratuliert Tina Schwichtenberg in der Berliner Zeitung zum 80. Geburtstag. Jens Hinrichsen schreibt in Monopol zum Tod des isländischen Künstlers Hreinn Fridfinnsson. Besprochen wird die Hip-Hop-Ausstellung "The Culture" in der Frankfurter Schirn (SZ).

So kann Vandalismus im Museum auch Spaß machen, freut sich Lisa-Marie Berndt, die für Monopol die Ausstellung "Wim Delvoye: The Order of Things" im Genfer Musée d'Art et d'Histoire besucht hat. Delvoye ist jener belgische Konzeptkünstler, der bereits einen echten Kot produzierenden Verdauungstrakt baute oder Schweine tätowierte. Die aktuelle Ausstellung ist harmloser, atmet Berndt auf: "Der Belgier verdreht Nachbildungen antiker Skulpturen, verwandelt sie in Murmelbahnen, lässt faustgroße Metallkugeln eines an den Wänden angebrachten Systems unter metallischem Rattern durch durchlöcherte Werke der Kunstgeschichte schießen, sie fröhlich von Epoche zu Epoche hüpfen, von Rafael bis Warhol, von Cranach bis Picasso. Unter den durchlöcherten Werken ist auch ein sakrales Holzrelief aus dem 17. Jahrhundert, das aus Wim Delvoyes ziemlich beeindruckender Privatsammlung stammt. Dort, wo einst der Kopf des Christuskindes war, klafft jetzt ein Loch, durch das eine Kugel rast."

Textilkunst befreit sich derzeit aus dem Nischendasein - und mit der Ausstellung "Vom Faden zur Form - Sofie Dawos Textilkunst zwischen Zero und Konkretion" trägt auch das Kunsthaus Dahlem dazu bei. Großartig findet Tom Mustroph in der taz, wie die Ausstellung Werke Dawos mit jenen der Künstlerbewegung ZERO und zeitgenössischen Arbeiten von Haleh Redjaian verknüpft: "Bei Dawo kann man in späteren Jahren auch Ausflüge ins Dreidimensionale beobachten. Sie ließ in den 1970er Jahren lange Fäden aus ihren Wandbehängen heraushängen. Das führte nicht nur zu einer Art Schüttelfrisur dieser textilen Objekte. Weht etwas Luft durch den Raum, bewegen sich die Fäden sogar."

In der Zeit kürt Hanno Rauterberg den einstigen Bundesfinanzminister Hans Eichel, den Rauterberg offenbar besucht hat, zum Retter der Kunstfreiheit, ja zum "Dissidenten von Kassel". Denn Eichel setzt sich nicht nur für den Erhalt der Documenta, sondern auch gegen einen geplanten "Code of Conduct" ein. "'So weit sind wir also inzwischen', sagt Eichel, 'dass der Staat sagt, was ausgestellt werden soll.' Das sei ja wie zuletzt in Polen oder wie in Israel mit seiner rechtsradikalen Regierung: Zensur!" Die Kunstfreiheit dürfe nicht eingeschränkt werden, nur durch Aufklärung lasse sich Antisemitismus bekämpfen, so Eichel weiter. "Nicht Politiker, erst recht nicht Kulturbürokraten dürften entscheiden, ob ein Kunstwerk gegen geltendes Recht verstoße. 'Ausschließlich Gerichte treffen diese Entscheidung', sagt Eichel und hebt seinen berühmten Zeigefinger. Alles andere sei 'extrem schädlich und extrem verfassungsfeindlich'."

Besprochen werden die große Hip-Hop-Schau "Culture" in der Frankfurter Schirn (Zeit, mehr hier), die Ausstellung "Hanna Bekker vom Rath. Eine Aufständische für die Moderne" im Berliner Brücke-Museum (FAZ) und die Ausstellung "Please Touch" im Düsseldorfer Museum Kunstpalast, die die Besucher dazu auffordert, Skulpturen von Tony Cragg anzufassen (wovon Cragg weniger begeistert war, wie Lisa Berins in der FR weiß).

Carmela Thiele porträtiert auf Zeit Online Çağla Ilk, die Kuratorin des deutschen Pavillons der 60. Biennale von Venedig. Seit 2020 leitet sie mit Misal Adnan Yildiz die Kunsthalle Baden-Baden. Sie versteht sich als Grenzgängerin zwischen den Disziplinen: "Ihre Strategie erinnert an Spielarten kollektiven künstlerischen Arbeitens, wie sie 2022 auf der Documenta fifteen vorgestellt wurden. Çağla Ilk verschränkt die zeitlichen Strukturen des Theaters mit den Mitteln der Kunst. 'Wir müssen künstlerische Momente schaffen, die beeindrucken, vielleicht sogar beeinflussen, sinnlich berühren. Darin sehe ich unsere Aufgabe in Venedig.' Dabei hilft ihr, dass sie von der Architektur kommt, bei der ebenfalls viele Elemente im Blick zu haben sind. Große Bauvorhaben müssen soziologisch, stadtplanerisch durchdacht werden. 'Das hat mich geprägt. Ich merke aber jetzt erst, was meine Ausbildung mir gebracht hat,' sagt sie."

Außerdem: Hans-Joachim Müller widmet sich in der Welt dem Mythos Nofretete. Besprochen werden die Ausstellung "Felka Platek - Eine Künstlerin im Exil" im Museumsquartier Osnabrück (taz Nord) und eine Soufiane-Ababri-Soloshow in der Londoner Gallery The Curve (Guardian).

FAZ-Kritiker Stefan Trinks begegnet in der Ausstellung "Tod und Teufel. Faszination des Horrors" im Kunstpalast Düsseldorf den finstersten Gestalten der Kunstgeschichte: Von Hans Baldung Griens "Hexensabbat" über die Schwarze Romantik zu Ende des 19. Jahrhunderts bis zum "Zombie Boy" Rick Genest, der mit seinen gruseligen Tattoos Lady Gaga begeisterte - die "Ikonographie des Bösen" wird hier in fast allen Facetten gezeigt, so Trinks. Neben Dämonen und Monstern gibt es aber auch subtilere Darstellungen des Horrors: "Für die fotografische Fuge der finalen 'Letzte(n) Mahlzeit im Todestrakt' wiederum lichtet der Brite Mat Collishaw sogenannte Omega Meals, letzte Essenswünsche zum Tode Verurteilter in den Vereinigten Staaten wie extradicke Burger oder auch nur ein anrührendes Glas wie von Muttern eingelegter Gurken, vor nachtschwarzem Hintergrund in der barocken Manier niederländischer Vanitas-Stillleben ab. Mit diesen Henkersmahlzeiten von als Mörder überführten Individuen führt Collishaw die Gattung auf einen unüberbietbaren Endpunkt des hochsymbolischen Exitus."

"Der Erinnerung an den Genozid wird man in Ruanda kaum entkommen", weiß Tom Mustroph, der für die taz die Kigali Triennale besucht hat. Natürlich ist die Erinnerung an die grausamen Verbrechen auch in der ausgestellten Kunst allgegenwärtig, hinzu kommen jedoch, so Mustroph, neue Perspektiven, Fragen und vor allem - Hoffnung: "Die ausgestellte Kunst selbst ist auffällig optimistisch. Manzi Jackson etwa schickt mit der zwischen Surrealismus und Technikfaszination changierenden Bildserie 'Take Me to Space' afrikanische Astronautinnen in eine extraterrestrische Wunderwelt mit üppiger Fauna. Ein großformatiges Foto von Gilles Dusabe fängt eine Frau im roten Kleid ein, die waagerecht über der Erde zu schweben scheint. Und auch die Fotoarbeit 'Kigali on the Horizon' von Abdul Mujyambere enthält eine der Zukunft zugewandte Note. Männer und Frauen stehen in einer Reihe hintereinander, sind durch ein Seil verbunden und bewegen sich vom Ufer eines Sees zu dessen Mitte hin. Alle drei Künstler kommen aus Kigali, Gilles Dusabe lebt zeitweise auch in Genf."

In der FR rollen der Kunsthistoriker Leonhard Emmerling und der Kulturmanager Wolf Iro den Documenta Skandal umd Ranjit Hoskoté (unser Resümee) noch einmal auf und fragen, welche Haltung für einen Neubeginn nötig wäre: "Der notwendige Neuanfang der Documenta muss darin liegen, sich von Antisemitismus klar zu distanzieren und ihm den Raum zu verwehren - angesichts der Vielzahl problematischer Haltungen in der Kunstszene keine geringe Aufgabe. Er muss aber auch darin bestehen, dem Anspruch einer Weltkunstschau gerecht zu werden. Die Welt mit ihrer Fülle von Perspektiven muss in einem direkten Sinne zur Sprache kommen, denn 'Sprechen begründet ein Subjekt' (L. Martín Alcoff). Man muss der Welt das Recht einräumen, die Documenta selbst zu perspektivieren. Perspektivieren, wohlgemerkt, heißt nicht Relativieren."

Weiteres: Im Tagesspiegel unterhalten sich Christiane Meixner Birgit Rieger Cristina Plett mit fünf Künstlern über ihre aktuellen Ausstellungen in Berlin, unter anderem mit dem Fotografen Yero Adugna Eticha und der iranischen Filmemacherin Shirin Neshat.

Besprochen werden zwei Ausstellungen zum Surrealismus in Brüssel: "Imagine! 100 Years of International Surrealism." in den Königlichen Museen der Schönen Künste und "Histoire de ne pas rire. Surrealism in Belgium" im Bozar (SZ) und die Ausstellung "Dan Flavin" im Kunstmuseum Basel (NZZ).